11 œuvres d’art qui vous donneront des cauchemars
Bien avant qu’Hollywood n’invente les «jump scares» (effets de surprise), des peintres mettaient déjà sur toile des visions qui semblaient surgir tout droit des enfers. Maintes fois, le monstrueux, le refoulé et l'interdit sont devenus leurs thèmes de prédilection. Les onze tableaux qui suivent dérangent, dégoûtent, et certains ne révèlent toute leur horreur qu’au second regard.
Voici 11 œuvres d’art que vous ne voudrez sous aucun prétexte accrocher dans votre salon.
«Saturne dévorant son fils»
«Saturne dévorant son fils» (1819) est un tableau de l'artiste espagnol Francisco de Goya. Si vous voulez frissonner encore plus: il fait partie de la série des «Peintures noires». Goya avait peint un total de 14 motifs directement sur les murs de sa maison. Après sa mort, les peintures murales ont été transférées sur toile, bien qu'elles n'aient pas été destinées au public. L'artiste ne leur a donné ni titre ni note. L'ensemble de la série est aujourd'hui accroché au musée du Prado à Madrid.
Le tableau représente Saturne, le dieu romain de l'agriculture. Par peur d'une prophétie de la déesse Terra (Gaïa en grec) selon laquelle l'un de ses enfants le renverserait, il les dévore.
De son vivant, Francisco de Goya a connu plusieurs mouvements politiques, dont l'entrée de Napoléon en Espagne et la politique peu proche du peuple de la monarchie espagnole. Ses tableaux reflètent sa vision sombre du monde et sa peur de la folie.
«Deimos»
Il s'agit ici du tableau «Deimos» (2015) de l'artiste serbe contemporain Dragan Bibin. En grec ancien, Deimos est le dieu et la personnification de la terreur. Les tableaux de Bibin sont inquiétants précisément parce qu'il peint l'absence d'horreur. Il travaille de manière épurée et suggestive. Ce qui se cache derrière la porte – et s'il y a seulement quelque chose derrière – reste incertain.
«Bus»
Le tableau «Bus» de Bronisław Linke a été réalisé à l'époque du communisme. Le peintre y a travaillé pendant six ans et ne l'a achevé que peu avant sa mort. L'œuvre globale de Linke est restée largement inconnue de la conscience et de la mémoire collectives. Neuf ans après la mort de l'artiste, le Musée national de Varsovie a bien acquis le tableau «Bus» en 1962. Pour des raisons politiques, il est cependant resté longtemps un objet problématique et interdit, qui n'a pas été exposé au public.
A la manière d'un cherche et trouve, de nombreuses références critiques à Varsovie de la fin des années 1950 sont perceptibles dans le tableau. Ainsi, le bus est par exemple peint aux couleurs jaune et rouge, habituelles dans les transports publics de la capitale à l'époque. L'artiste dépeint la réalité dans un état de décomposition totale; on trouve partout des traces de boue, de pourriture et de gangrène.
«Tête de Médusa»
Le bouclier en bois de peuplier portant la tête de Médusa, peint par Le Caravage vers 1597, est exposé aux Offices à Florence. Le Caravage a peint le portrait sur la surface bombée vers l'extérieur du bouclier. Pourtant, la surface semble bombée vers l'intérieur. Il a saisi le moment où Médusa se reflète dans le bouclier de Persée et se fait décapiter.
Le bouclier a été commandé par le cardinal Francesco Maria del Monte, ambassadeur du Grand-Duché de Toscane à Rome. Il a offert l'œuvre d'art achevée au grand-duc Ferdinando Ier de Médicis pour enrichir sa collection au Palazzo Vecchio.
L'histoire derrière Médusa est brutale. Poséidon viole la belle Médusa dans un temple d'Athéna. Pour la punir, la déesse transforme la jeune femme en Gorgone, un monstre aux cheveux de serpents. Si on la regarde dans les yeux, on est pétrifié. Persée, fils de Zeus, doit rapporter la tête de Médusa au roi Polydectes. A l'aide d'un bouclier réfléchissant, il peut la décapiter sans la regarder directement. Athéna fixe la tête de Médusa sur son bouclier comme ultime protection, le sortilège de pétrification continuant d'agir.
«Figure with Meat»
«Figure avec chair»
Francis Bacon a peint «Figure with Meat» en 1954. Ses tableaux incarnent l'éthos existentiel de l'après-guerre. Il y est question du traumatisme psychologique, du choc et de la désillusion des hommes après la Seconde Guerre mondiale.
Dans ses tableaux, Bacon faisait souvent référence à l'histoire de l'art. C'est également le cas ici: «Figure with Meat» fait partie d'une série qu'il a consacrée au portrait du pape Innocent X par Diego Velázquez. La représentation iconique de l'autorité papale devient une image cauchemardesque.
Voici le portrait papal original de Velázquez:
«Le Cauchemar»
Ce tableau est l'œuvre d'un peintre helvético-britannique né à Zurich sous le nom de Johann Heinrich Füssli, qui devint plus tard célèbre en Angleterre sous le nom de Henry Fuseli. Il n'a cessé de thématiser dans son œuvre le monde des rêves et des visions d'horreur, comme dans «Le Cauchemar», qui est sans doute son œuvre la plus connue.
Le tableau a été présenté pour la première fois en 1782 lors de l'exposition annuelle de la Royal Academy à Londres. Les visiteurs et les critiques ont été choqués, mais en même temps fascinés. Le motif n'étant emprunté à aucune source historique, biblique ou littéraire, il offrait un vaste champ d'interprétation. Le tableau est considéré comme un précurseur de la théorie psychanalytique; il paraît qu'une reproduction de celui-ci était accrochée dans l'appartement viennois de Sigmund Freud.
«Le Jardin des délices»
Pas si effrayant – au premier abord. En y regardant de plus près, on remarque les nombreuses figures loufoques et les proportions inversées entre l'homme et l'animal. «Le Jardin des délices» de l'artiste néerlandais Jérôme Bosch a été peint comme triptyque entre 1490 et 1510.
Un triptyque se compose toujours d'un panneau central plus grand et de deux volets latéraux. A gauche, nous voyons le paradis, le jardin d'Eden avec Dieu, Adam et Ève; au milieu se trouve le jardin des délices terrestres, pécheur et éponyme; et à droite, l'enfer sombre et grotesque.
Ici, c'est le monde à l'envers: de petits humains sont nourris par de grands oiseaux, des framboises et des mûres surdimensionnées sont portées ou dévorées. L'homme est à la merci d'un monde animal et végétal surpuissant.
«Les Corps des frères de Witt»
Les Néerlandais nous enseignent la peur. Derrière ce tableau du Néerlandais Jan de Baen (env. 1672–1675) se cache une histoire vraie qui fait frissonner: après l'assassinat des frères de Witt par leurs adversaires politiques le 20 août 1672, leurs corps nus et mutilés ont été exposés sur le lieu d'exécution au milieu de La Haye. Johan avait été pendant près de vingt ans l'homme le plus puissant de la république, soutenu avec constance par son frère Cornelis. Ils ont été tenus pour responsables de tout ce qui a mal tourné pendant l'année dite de la catastrophe en 1672.
L'année de la catastrophe de 1672:
Le malheur de l'année de la catastrophe a culminé lorsque les Français ont envahi les Pays-Bas en 1672. Un changement de pouvoir s'est produit: Guillaume III d'Orange a été proclamé «stathouder» (lieutenant), Johan de Witt, qui dirigeait la politique de la République des Sept-Provinces-Unies en tant que grand pensionnaire depuis deux décennies, a démissionné le 4 août.
Le frère de Johan, Cornelis, qui avait occupé une position influente pendant une longue période en tant que commandant de la flotte, a été arrêté et mis en procès sous l'accusation d'avoir planifié un attentat contre Guillaume. 16 jours plus tard, la lutte pour le pouvoir a dégénéré et les deux frères ont été lynchés.
«The Pumpkin President»
«Le Président Citrouille»
Le tableau de l'artiste contemporain Mark Ryden a été réalisé en 1998 (oui, vraiment!). De manière inquiétante, il semble avoir anticipé le présent. Dans le coin inférieur droit, on aperçoit même une minuscule silhouette d'Abraham Lincoln, auquel Donald Trump allait plus tard se comparer.
Interrogé à ce sujet lors d'une interview, Ryden a déclaré: «Tu n'as pas mentionné que Jésus est représenté dans le poulailler, ce qui rappelle son double jeu avec les chrétiens évangéliques. Les deux garçons qui s'ébattent sur le crâne d'un grand animal mort... pourraient-ils être Eric et Don Jr.? Et que dire du chien du diable?»
Ryden est considéré comme le roi du pop-surréalisme. Il mélange souvent des images joyeuses et enfantines avec des parties du corps troublantes ou des phénomènes naturels bizarres. Il puise souvent son inspiration dans l'alchimie, la métaphysique et la philosophie, et traite des thèmes fondamentaux du pouvoir et de l'autorité ainsi que du malaise sous la nostalgie américaine. C'est ainsi que naissent des images à la fois féeriques et troublantes, dans un champ de tension entre innocence et macabre.
Vous trouverez ici encore plus d'informations sur l'art de Ryden:
«Saturne dévorant son fils»
L'histoire de Saturne qui mange ses enfants, nous la connaissons déjà. Voici la version de Pierre Paul Rubens. Elle a été réalisée entre 1636 et 1638, soit quelque temps avant le tableau de Saturne par Francisco de Goya. Dans la version de Rubens, Saturne tient dans sa main droite une faux sur laquelle il s'appuie. Les étoiles au-dessus du dieu font référence à la planète Saturne, qui était déjà connue dans l'Antiquité.
Pourtant, la disposition des deux petites étoiles autour de la grande étoile est inhabituelle du point de vue d'aujourd'hui. En réalité, Rubens s'est peut-être appuyé sur une découverte de son époque. Lorsque Galileo Galilei a pointé son télescope vers Saturne en 1610, celui-ci lui a semblé triple. Il croyait qu'il était bordé de deux satellites. Nous savons aujourd'hui qu'il s'agit du système d'anneaux de la planète.
«Têtes de suppliciés» ou «Têtes guillotinées»
Non, il ne s'agit pas ici de têtes de zombies. Ce sont bel et bien les têtes de deux personnes mortes par la guillotine. Le peintre français Théodore Géricault a peint vers 1818 cinq tableaux représentant des membres et des parties du corps sectionnés. Ceux-ci ont servi d'études pour les figures de son œuvre la plus célèbre, «Le Radeau de la Méduse».